空間デザインから、プロダクト、素材へ。鬼木孝一郎氏が語る「デザインの領域を広げる思考」

12月17日、渋谷・ユニオンテック本社にて開催された第13回「デザイナーズエッジ」にて、ODS／鬼木デザインスタジオ代表の鬼木孝一郎氏に登壇いただきました。
鬼木氏は、日建設計、nendoを経て2015年に独立し、商空間を中心に建築・インテリア・展示・プロダクトまで活動の幅を広げています。
今回のトークセッションでは、独立に至るまでのキャリアをはじめ、世界で評価されるデザイン哲学、そしてプロジェクトに宿るストーリーの紡ぎ方について語っていただきました。

大学院修了後は日建設計へ入社。建築が実際にどのようにつくられていくのかを学びながら、3年間の実務経験を積みました。その後、佐藤氏からの誘いをきっかけにnendoへ転身。
少人数のチームの中で、自ら手を動かしながら国内外のプロジェクトに携わりました。
しかし、プロジェクトの規模が拡大するにつれ、鬼木氏の仕事は次第にマネジメント中心へと変化しました。そこで改めて、ご自身がどのようにデザインと向き合いたいのかを考えるようになったそうです。

その思いを形にするように、鬼木氏は2015年に独立。自ら手を動かしながらデザインと向き合える環境をつくり、その後は空間だけに留まらず、プロダクトやインスタレーション、素材開発へと活動の領域を広げていきました。

独立直後から、nendo時代からつながりのあったクライアントとの仕事が新たに広がっていきました。その一つが、京都・花見小路の町家を活用した「HERMES GION-MISE」。
景観条例のある街並みに合わせて外観を復元しながら、内部を商業空間として再構成。9か月間で8つのイベントが行われる期間限定店として、木組みの什器が空間を形づくりました。
期間限定の店舗であるため、使い終わった後に廃棄して終わる什器にしない方法を模索しました。そこで、釘や接着剤を使わず仕口で組む木組みを什器に応用し、解体後も別の場所で再構成できる仕組みを提案しました。

その後、資生堂のブランド「THE GINZA COSMETICS」の店舗設計を手がけた鬼木氏。ブランドの世界観を空間として表現するだけでなく、地下のギャラリーではインスタレーション “CORD/CODE” を制作しました。
さらに、そこで深めたブランドへの理解をもとに、ワイヤーとアクリルを用いた椅子もデザイン。
一つのブランドと向き合う中で、空間からインスタレーション、プロダクトへと表現の領域を広げていきました。

「CORD/CODE」では、THE GINZA COSMETICSのパッケージから着想したグリッドを少しずつ回転させ、46層積み重ねることで、渦を巻くような3次元的空間を生み出しました。銀座のストイックなグリッドのイメージと、柔らかさとが共存するものとしての表現であったと語ります。

さらに、その考え方を椅子というプロダクトにも展開。

THE GINZA COSMETICSとのプロジェクトは、インテリアの設計から始まりました。鬼木氏は、空間づくりを通じてブランドへの理解が深まるにつれ、その解釈をインスタレーションやプロダクトへと展開していったと振り返ります。
機能を伴うインテリアから、より自由度の高いインスタレーションへ、そしてさらにプロダクトへと発展していく。そうやって一つのブランドを異なるレイヤーから多層的に、多面的に表現していくことで、関わり方そのものも広がっていきました。

鬼木氏はこの経験を、「1つの点ではなく、面になって、立体になっていくように、複合的に関わることができた」と表現します。ブランドへの理解を深めながら表現の領域を広げていくプロセスは、鬼木氏にとっても学びの多いプロジェクトになったといいます。

阿部興業からの依頼は、日本の伝統的な和建具の技術を用いながら、現代的なプロダクトをつくること。そこで鬼木氏が着目したのが「組子」でした。平面的な装飾として使われてきた組子を、枠から解放し、立体的に組むことで新しい可能性を探ります。

その後、パーティションからローテーブル、建具へと展開し、さらに阿部興業のショールームの空間デザインへ。
プロダクトから始まった仕事が、建具、そして空間へとつながっていきました。

建具を起点に、素材、作品の見せ方、空間全体の印象まで、一つひとつの条件を整理しながら答えを導いていく。
複数の要素を同時に成立させる鬼木氏のデザインには、まさに「連立方程式を解く」ような思考が表れています。

ポータブル照明ブランド「Ambientec」では、ギャラリーの依頼から、組み替えによってサイズを変更できるシステム什器の開発へ。
4種類のフレームとパネルを組み合わせ、棚や平台として使える什器をつくりました。
完成した什器はギャラリーの中に留まらず、ポップアップや展示会などにも展開されていると語ります。

その空間のためにつくったプロダクトが、別の場所へ持ち出され、新しい使われ方をしていく。
空間とプロダクトを切り分けずに、互いに行き来することで、新たな可能性を生み出しています。

近年の仕事では、既存の素材を選ぶだけでなく、素材そのものを開発するプロジェクトも増えているとのこと。SHIRO北千住店では、「お米のような粒々感」を感じる壁材を開発。

SHIRO有楽町店では、ケーキのように型に入れて乾燥させる方法で壁材を成形。
手作業ならではのロットごとのムラを空間の表情として活かせたと語ります。

レザーブランド「CRAFSTO」では、通常は破棄されるレザーの床皮を細かく粉砕し、壁に練り込むことで、ブランドの素材感を空間として表現。
さらに、柱をレザーで覆い、チャックで着せ替えられるような仕掛けも提案したと語ります。

京都のジュエリーショップ「Bizoux」では、鉱物が地層から掘り起こされるイメージを、色のグラデーションによって抽象的に表現。

素材選びを一工程で終わらせず、コンセプトそのものへつなげていくことが、空間の説得力へと繋がるのだと感じさせられます。

講演の最後に、鬼木氏が示したのは「神は細部に宿る」というミースの言葉でした。
ただし、そのまま受け取るのではなく、ご自身の経験から「デザインの神、デザインの喜びや楽しさは、細部にも宿る」と解釈されていました。

細部だけを突き詰めればいいわけではない。大きな視点と小さな視点を行き来することが、デザインを深めるきっかけになる。鬼木氏は、これまでのプロジェクトを振り返りながらそう語りました。

講演の最後に、鬼木氏はこれからのデザイナーに向けて、こんな言葉を残しました。

空間からプロダクトへ、プロダクトから素材へと、自分の領域を少しずつ広げてみること。ひらめきだけに頼るのではなく、さまざまな要素を積み上げ、俯瞰しながら答えを探すこと。そして、空間全体と細部を行き来しながら、デザインの解像度を高めていくこと。

今回の講演では、こうした鬼木氏の思考が、具体的なプロジェクトを通して一貫して示されました。
領域を広げながら、複数の条件から一つの答えを導いていく。そのデザインの考え方に触れる時間となりました。

 【編集後記】

今回の講演で特に印象的だったのは、鬼木氏が自分の専門領域を固定せず、少し外側までを「自分ごと」として捉えながら、デザインの可能性を広げてきたことです。

いつもの専門領域から一歩踏み出し、異なる分野にも目を向けてみる。
そうして視野を広げていくことは、デザインの可能性を広げるだけでなく、つくることそのものの楽しさや喜びにもつながっていく。

クリエイティブを仕事にする私たちが、長く楽しく仕事を続けていく上で、とても大切なことではないでしょうか。

鬼木氏の言葉と事例から、そんなメッセージが伝わるトークセッションとなりました。

次回のイベントにも、ぜひご期待ください！

編：韓芝祐
写真：大島朋之